Acquisitions 2011

Cette donation permet au musée d’exposer, dans son département des Objets d’art, un chapitre plus complet de l’histoire de la céramique, dans le prolongement de la présentation actuelle. En effet, elle vient à point enrichir la collection du musée qui couvrait jusqu’alors la première moitié du XXe siècle uniquement.

Une exposition-dossier explorera les collections singulières de ce couple de collectionneurs, amateurs passionnés et donateurs du 22 février au 19 mai 2013

Cette œuvre est la seconde esquisse réalisée par Hippolyte Flandrin (1809-1864) pour préparer la composition historique qui constitue son envoi de Rome de cinquième année, tableau aujourd’hui conservé au musée de Lisieux.

L’artiste fait le choix d’illustrer un épisode de l’Évangile selon saint Marc. Il débute son travail dès 1836 et s’appuie sur de nombreux dessins, ainsi que sur une première esquisse, conservée au musée départemental de l’Oise à Beauvais, qui organise sa composition dans ses grandes lignes. Plus achevée, celle-ci lui fait suite. Des soucis de santé, puis une épidémie de choléra qui frappe Rome, le retardent toutefois et ce n’est que deux ans plus tard, de retour à Paris, qu’il termine son œuvre, très remarquée au Salon de 1839.

L’artiste mêle ici plusieurs sources d’inspirations : il cite des motifs empruntés à Giotto, comme les deux femmes placées de dos au premier plan, et s’inspire d’une composition de même thème de Johann Friedrich Overbeck. Ce ne sont pas cependant ces références qu’il revendique dans sa correspondance, mais celle de Raphaël : il témoigne en effet avoir beaucoup regardé en préparant son tableau ses cartons pour la tenture des Actes des Apôtres. L’ordonnancement frontal des figures, le paysage d’architectures à l’antique et son sens de la couleur renvoient également à Nicolas Poussin.

Cette importante esquisse vient compléter un ensemble conséquent d’œuvres de l’artiste dans la collection du musée.

Originaire de Lyon, Joseph Guichard (1806-1880) se forme à l’école des beaux-arts de sa ville natale, puis à Paris dans l’atelier d’Ingres. Au fil de sa carrière, l’artiste se voit confier plusieurs chantiers de peinture murale et ce domaine devient l’une de ses spécialités. En 1838 lui est ainsi commandé le décor de la chapelle Saint-Landry, située dans le déambulatoire de l’église Saint-Germain-l’Auxerrois à Paris. Parmi cet ensemble, il orne l’autel en pierre, dessiné par Jean-Baptiste Lassus, d’une composition représentant le Christ en croix entre quatre anges recueillant son sang, entouré du roi Clovis II, de saint Landry, sainte Bathilde et Erchinoald, maire du palais. Ce carton, qui conserve des traces de mise au carreau, correspond à la partie centrale de ce retable. Cette réalisation apparaît très marquée par la leçon d’Ingres et témoigne de son apprentissage auprès du maître, dont la légende voudrait pourtant qu’il se soit détourné et qu’il en ait rejeté les principes. Le goût de la ligne et la recherche d’une élégance formelle s’imposent ici et l’éloignent de ses réalisations antérieures comme Rêve d’amour (Lyon, musée des Beaux-Arts), tableau qu’il avait présenté au Salon de 1833 à Paris et qui avait provoqué sa rupture avec Ingres. L’artiste révèle également ici, dans une volonté d’adapter son style au cadre environnant son décor, un regard inédit sur la peinture italienne des XIVe et XVe siècles. Cette œuvre s’inscrit dans une phase méconnue de la carrière de Joseph Guichard, jusqu’ici absente des collections du musée, et permet de compléter l’évocation du renouveau du grand décor religieux au XIXe siècle.

Lauréat du Grand Prix de Rome en 1825, Sébastien Norblin (1796-1884) mène une carrière de peintre d’histoire sous la Monarchie de Juillet et le Second Empire. Il demeure durant toute sa vie particulièrement proche des milieux polonais en France, qui plus est après l’échec de l’insurrection de la Pologne en 1830-1831 qui voit affluer une importante émigration à Paris. Il fréquente les cercles politiques et intellectuels en exil, parmi lesquels le salon du prince Adam Jerzy Czartoryski, pour la famille duquel son père avait travaillé.

Le prince rachète en 1843 l’Hôtel Lambert, dans l’île Saint-Louis, dont il entreprend la restauration. En 1856, il passe commande à Norblin d’un décor dont la disposition demeure difficile à établir. Seul un recueil de planches gravées en fournit un témoignage et en retrace l’iconographie, celui-ci n’étant plus en place de longue date. Peut-être était-il prévu pour masquer certaines peintures du XVIIe siècle en mauvais état.

Ce dessin se présente comme un projet destiné vraisemblablement à être soumis à son commanditaire, par l’usage de deux feuilles de papier superposées présentant des variantes de décor. Cette composition allégorique, associant dans trois registres la Nuit, Apollon et l’Aurore, joue de nombreuses références à l’art du passé, tant à la peinture antique qu’au plafond du casino Rospigliosi de Guido Reni.

Issue d’une famille lyonnaise aisée, Clémence Sophie de Sermézy est l’auteur d’un oeuvre sculpté de grande qualité, réalisé sans jamais exposer ni vendre. Longtemps oublié, celui-ci n’a été que récemment redécouvert. Ses travaux, uniquement en terre ou en plâtre, se composent principalement de petits groupes décrivant des scènes de genre ou de bustes de ses proches et de personnalités fréquentant son salon, l’un des plus renommés de Lyon sous l’Empire et la Restauration.

Cette œuvre est l’une des plus abouties parmi ses réalisations dans le champ du portrait. Elle représente la jeune épouse de son fils Jean-Baptiste, alors âgée de 18 ans. Elle traduit l’influence du sculpteur Joseph Chinard, auprès de qui Clémence Sophie de Sermézy parfait sa formation à Lyon, sans doute entre 1794-1795 et 1799. L’auteur reprend ici un principe de composition identique à celui de certains de ses bustes, par le choix d’une découpe au niveau de la poitrine et d’une frontalité animée par le désaxement de la tête. Le vêtement très simple évoque les draperies à la grecque, tout en s’accordant au goût du jour. La complexité de la coiffure rappelle également le portrait de Juliette Récamier, dont l’artiste possédait un exemplaire en plâtre. Mais elle se démarque de son maître par la recherche d’un caractère plus décoratif et par l’exploration d’une dimension intime.

Cette acquisition vient compléter un ensemble important de 14 œuvres de l’artiste, pour partie données directement au musée par l’artiste ou ses héritiers.