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ENGLISH
The restoration of Lyon St. Francis
Ludmila Virassamynaïken, exhibition curator:
“Francisco de Zurbarán is one of the very great painters of the Spanish Golden Age, that apogee of Spanish painting in the 17th century, like his friend and contemporary Diego Velázquez.
He was born in Fuente de Cantos, a small town in Extremadura, a region in central Spain, north of Andalusia.
His career lasted until his death in 1664, first in Extremadura, in Llerena, and then in Seville, the great port that welcomed wealth from the New World - America - and which was one of the richest cities in Europe, the richest in the Spanish crown.
He and his studio produced many works for religious institutions, but also for private individuals.
And in 1636, he painted this St. Francis, which entered the collections of the Lyon Musée des Beaux-Arts at a very early stage, as the museum opened its doors to the public in 1803, and only four years later, in 1807, the museum bought it from the painter Jean-Jacques de Boissieu.
It is a painting that has always been exhibited in the museum, that has been much admired, much commented on and much copied by artists too and that, as soon as it entered our collection at the beginning of the 19th century, was considered a masterpiece.
It has a very original subject since it is about the legendary discovery of St. Francis’ body by Pope Nicholas V in 1449, that is, two centuries after his death, as if he were alive.
And it's an image that has always impressed.
For the record, it is said that in the 18th century, when the painting was allegedly rediscovered by the architect Jean Antoine Morand in the attics of the sisters of the Colinettes, a convent established on the slopes of the Croix-Rousse, in Lyon, his dog was said to have ‘barked against it’, thinking that someone alive was in that attic.
The question arose as to the state of presentation of the work around which the whole project was built.
It is a painting that was in very good condition from a structural point of view, but whose state of presentation could be improved, because quite simply, it is a painting that has been restored over the centuries.
Two restorations are documented in the 20th century, but there were some before that, and these restorations were the opportunity to apply retouching of paint, new varnishes.
These retouches of paint, over time, become visible and, similarly, the varnishes oxidise, i.e. turn yellow.
At first, the aim was simply to improve the way the work looked.
In the end, it turns out that this restoration took on a completely different scope.
It's a restoration that can be described as fundamental, that is to say, much more interventionist than originally envisaged, and which has led to some very important rediscoveries.
Restoration not only improves the condition of the work, it also gleans as much material information as possible to help us understand it better.”
Catherine Lebret, restorer of painted works:
“The restoration of the painting was carried out between September 2023 and July 2024.
It was carried out in collaboration with two other restorers, Vélia Dahan and Anne Maincent, and took 78 days to complete.
In all, five phases of work were required to complete the restoration.
The first phase was an imaging phase and a scientific study of the work, which was carried out in 2022 by the Centre de Recherche des Musées de France.
The next phase, which was carried out at the museum, was a preliminary study of the work.
This is followed by two phases of de-restoration - removal of old varnish and overpainting - and then the re-presentation, as we call it, i.e. retouching, varnishing and correcting any gaps or wear and tear in the work.”
Ludmila Virassamynaïken, curator of the exhibition:
“Above all, we had the great surprise and joy of rediscovering an original material in fairly good condition that had been obscured by layers and layers of overpainting, restoration and varnish that had aged more or less well.
We've rediscovered the very skin of the painting. It's very touching because you can see the normal age cracks. It's organic matter that, like us, ages with time.
Above all, we've rediscovered the artist's touch - that extremely fast, sure line, and at the same time a very high degree of technical mastery - and then elements of the composition, which was also completely unexpected, because we've rediscovered part of the archway of the niche in the background - the whole part that you see on the left of the painting.
And then we rediscovered the saint's foot, which had been hidden by overpainting.
The bottom of the robe had been repainted to conceal the foot.
This foot is not anecdotal, as it was the foot that Pope Nicholas V discovered when he lifted the saint's robe to reveal the stigmata.
The signature and date were also found. The date is a major contribution for art historians.
This painting and those in Barcelona and Boston, which were painted according to the same formula, were dated much later in the artist's career by most art historians, and this date of 1636 that has come to light allows us to reconsider the chronology in the light of this discovery of Zurbarán's work.
The restoration of this painting has been the occasion for a great many rich and fruitful exchanges, not only with the restorers, of course, but also with the members of the scientific committee, who have accompanied us as the restoration work has progressed.
And finally, with colleagues from the Barcelona museum, the Museu Nacional d'Art de Catalunya, who came to see the painting being restored and in turn decided to go ahead with the restoration of their own painting, which also appears in the exhibition in a completely new state.”
ESPAÑOL
La restauración de San Francisco de Lyon
Ludmila Virassamynaïken, comisaria de la exposición:
« Francisco de Zurbarán es uno de los grandísimos pintores del Siglo de Oro español, ese apogeo de la pintura española en el siglo XVII, como su amigo y contemporáneo Diego Velázquez.
Nació en Fuente de Cantos, una pequeña localidad de Extremadura, región del centro de España, al norte de Andalucía.
Su carrera duró hasta su muerte en 1664, primero en Extremadura, en Llerena, y después en Sevilla, el gran puerto que acogía las riquezas del Nuevo Mundo – América - y que era una de las ciudades más ricas de Europa, la más rica de la corona española.
Él y su taller realizaron muchas obras para instituciones religiosas, pero también para particulares.
Y en 1636 pintó este San Francisco, que entró en las colecciones del Musée des Beaux-Arts de Lyon muy pronto, ya que el museo abrió sus puertas al público en 1803, y sólo cuatro años más tarde, en 1807, el museo lo compró al pintor Jean-Jacques de Boissieu.
Es un cuadro que siempre ha estado expuesto en el museo, que ha sido muy admirado, muy comentado y muy copiado también por los artistas y que, en cuanto entró en nuestra colección a principios del siglo XIX, fue considerado una obra maestra.
Tiene un tema muy original, ya que trata del legendario descubrimiento del cuerpo de San Francisco por el Papa Nicolás V en 1449, es decir, dos siglos después de su muerte, como si estuviera vivo.
Y es una imagen que siempre ha impresionado.
Para que conste, se dice que en el siglo XVIII, cuando el cuadro fue supuestamente redescubierto por el arquitecto Jean Antoine Morand en los desvanes de las hermanas de las Colinettes, un convento establecido en las laderas de la Croix-Rousse, en Lyon, su perro « ladró contra él », pensando que había alguien vivo en ese desván.
Se planteó la cuestión del estado de presentación de la obra en torno a la cual se construyó todo el proyecto.
Es un cuadro que estaba en muy buen estado desde el punto de vista estructural, pero cuyo estado de presentación era mejorable, porque sencillamente, es un cuadro que ha sido restaurado a lo largo de los siglos.
Se documentan dos restauraciones en el siglo XX, pero hubo algunas antes, y estas restauraciones fueron la ocasión de aplicar retoques de pintura, nuevos barnices.
Estos retoques de pintura, con el tiempo, se hacen visibles y, del mismo modo, los barnices se oxidan, es decir, amarillean.
Al principio, el objetivo era simplemente mejorar el aspecto de la obra.
Al final, resulta que esta restauración adquirió un alcance completamente distinto.
Se trata de una restauración que puede calificarse de fundamental, es decir, mucho más intervencionista de lo previsto inicialmente, y que ha dado lugar a algunos redescubrimientos muy importantes.
La restauración no sólo mejora el estado de la obra, sino que también recoge toda la información material posible para ayudarnos a comprenderla mejor. »
Catherine Lebret, restauradora de obras pintadas:
«La restauración del cuadro se llevó a cabo entre septiembre de 2023 y julio de 2024.
Se llevó a cabo en colaboración con otras dos restauradoras, Vélia Dahan y Anne Maincent, y duró 78 días.
En total, fueron necesarias cinco fases de trabajo para completar la restauración.
La primera fase fue una toma de imágenes y un estudio científico de la obra, que llevó a cabo en 2022 el Centre de Recherche des Musées de France.
La siguiente fase, realizada en el museo, fue un estudio preliminar de la obra.
A continuación, dos fases de des-restauración - eliminación de barnices antiguos y repintes - y luego la re-presentación, como la llamamos nosotros, es decir, retocar, barnizar y corregir las lagunas o el desgaste de la obra. »
Ludmila Virassamynaïken, comisaria de la exposición:
«Sobre todo, hemos tenido la gran sorpresa y alegría de redescubrir un material original en bastante buen estado que había quedado oscurecido por capas y capas de repintes, restauraciones y barnices más o menos envejecidos.
Hemos redescubierto la piel misma del cuadro. Es muy conmovedor porque se ven las grietas normales de la edad. Es materia orgánica que, como nosotros, envejece con el tiempo.
Sobre todo, hemos redescubierto el toque del artista - esa línea extremadamente rápida y segura, y al mismo tiempo un grado muy alto de maestría técnica - y luego elementos de la composición, que también era completamente inesperada, porque hemos redescubierto parte del arco del nicho del fondo - toda la parte que se ve a la izquierda del cuadro.
Y luego redescubrimos el pie del santo, que había quedado oculto por el repinte.
La parte inferior de la túnica había sido repintada para ocultar el pie.
Este pie no es anecdótico, ya que fue el pie que descubrió el Papa Nicolás V cuando levantó la túnica del santo para revelar los estigmas.
También se encontraron la firma y la fecha. La fecha es una aportación importante para los historiadores del arte.
Este cuadro y los de Barcelona y Boston, pintados según la misma fórmula, eran fechados mucho más tarde en la carrera del artista por la mayoría de los historiadores del arte, y esta fecha de 1636 que ha salido a la luz permite reconsiderar la cronología a la luz de este descubrimiento de la obra de Zurbarán.
La restauración de este cuadro ha sido la ocasión de numerosos, ricos y fructíferos intercambios, no sólo con los restauradores, por supuesto, sino también con los miembros del comité científico, que nos han acompañado a medida que avanzaban los trabajos de restauración.
Y, por último, con los colegas del museo de Barcelona, el Museu Nacional d'Art de Catalunya, que vinieron a ver la restauración del cuadro y a su vez decidieron seguir adelante con la restauración de su propio cuadro, que también aparece en la exposición en un estado completamente nuevo. »
