Plus connu pour son œuvre architectural, Georges Adilon, également peintre, fait l’objet d’une exposition, suite à deux donations exceptionnelles au musée. Le parcours proposé donne à voir le passage des paysages et natures mortes tendant vers l’abstraction à un œuvre graphique marqué par l’échelle monumentale et le choix de contraintes formelles délibérées.

Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Lyon en 1949, Georges Adilon apparait sur la scène artistique dans le milieu des années 1950 : sa première exposition personnelle à Paris se tient en 1957. Il est alors assimilé par la critique à l’École lyonnaise, aux côtés de ses camarades des Beaux-Arts Jacques Truphémus, André Cottavoz, Jean Fusaro, Henri Lachièze-Rey et Odette Ducarre.

Au tournant des années 1960, sa peinture s’éloigne du courant lyonnais, lorsqu’il se tourne vers l’abstraction : des formes flottent dans un espace coloré fortement structuré par des empâtements géométriques. Seul le titre rattache l’œuvre au genre de la nature morte ou du paysage.

En 1980, Georges Adilon établit un protocole basé sur des contraintes techniques et formelles - de la laque glycérophtalique noire sur du papier offset de 170 gr d’ARJOMARI© de dimension 92 x 130 cm -, voué à perdurer. Ses œuvres sont dès lors intitulées selon leur date de réalisation.

Le musée des Beaux-arts met à l’honneur Raymond Grandjean (1929-2006). Personnalité lyonnaise haute en couleurs, ce peintre autodidacte et anticonformiste a su dialoguer avec nombre de maîtres et mouvements contemporains sans jamais trahir sa pâte personnelle.

Humour et poésie se déclinent ainsi à travers paysages urbains, compositions Pop, variations abstraites et collages d’inspiration surréaliste – sans oublier les revues auto-éditées où le peintre mêle, en pataphysicien, aphorismes, images déplacées et jeux de mots.

L'accrochage selon Patrice Beghain (ancien élu à la culture de la ville de Lyon et donateur) :

"Alors que les principales œuvres de nos collections d’art moderne sont exposées pendant plusieurs mois au Mexique, les salles qui leur sont d’ordinaire dévolues proposent un accrochage consacré à la scène artistique lyonnaise au XXe siècle.
Cette initiative s’inscrit dans la continuité des expositions qui, notamment depuis une dizaine d‘années, ont été consacrées à des artistes, à des groupes ou à des personnalités qui, tout au long du siècle dernier, ont marqué la vie artistique lyonnaise.

Cette présentation, qui ne saurait prétendre à l’exhaustivité, s’appuie  d’abord sur le fonds du musée, dont le contenu témoigne de la façon dont les responsables successifs des collections publiques lyonnaises ont, avec des fortunes diverses, appréhendé la scène artistique locale et du nombre et de la qualité des dons qui ont permis de les développer.

L’accrochage est complété par des emprunts à d’autres institutions, notamment :
- le Musée municipal Paul-Dini de Villefranche-sur-Saône,
- le Musée d’art contemporain de Lyon
- et la collection du FRAC Rhône-Alpes gérée, à Villeurbanne, par l’Institut d’art contemporain.
Elle est aussi enrichie de prêts significatifs de collectionneurs particuliers, qui témoignent du rôle important que ceux-ci ont joué dans l’appréciation  et la transmission des œuvres des artistes lyonnais du XXe siècle.

Tel qu’il se présente, dans la diversité des parcours et la variété des expressions, cet accrochage vise à rendre compte à la fois de la richesse et de la singularité de la création artistique à Lyon au cours du XXe siècle et des relations qu’elle entretient avec le mouvement général des arts.

Une grande partie des collections du XXe siècle du musée ayant été exposée à Mexico, jusqu'en juillet 2016, le musée a proposé un nouvel accrochage de sa section moderne et contemporaine axé sur la scène artistique lyonnaise au XXe siècle, de Pierre Combet-Descombes jusqu’à la génération qui émerge dans les années 1980 :
- Stéphane Braconnier,
- Christian Lhopital,
- Marc Desgrandchamps,
- Patrice Giorda...
Appuyée sur le fonds même du musée, complétée par des emprunts à d’autres collections publiques et à des collections particulières, cette présentation souhaite mettre en évidence quelques figures et quelques moments-clés de cette période à Lyon, et permet aussi de s’interroger sur la singularité de la scène artistique lyonnaise.

Commissariat :

Sylvie Ramond, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée des Beaux-Arts de Lyon
Patrice Beghain, auteur d'Une histoire de la peinture à Lyon (Éd Bachès, 2011) 

Considéré au début des années 1940 comme un coloriste d’une grande sensibilité, Edouard Pignon (1905-1993) est regardé par la critique comme l’un des peintres les plus prometteurs de sa génération. Il montre le désir de prendre son autonomie vis-à-vis du groupe des « Jeunes peintres de tradition française », dont font partie Jean Le Moal et Alfred Manessier et dans lequel il ne se reconnaît plus.

Dès l’immédiat après-guerre, l’artiste fait le choix d’une figuration libre et indépendante et inaugure une recherche personnelle qui marque sa différence avec les mouvements auxquels il s’intéresse. Il prend ses distances avec la scène artistique parisienne et le « tout abstrait » qui domine l’actualité et s’installe pour quelques mois à Ostende (Belgique) en novembre 1946, animé d’une volonté de renouveler sa peinture.

Séduit par « l’atmosphère délicate » du port, le « bruissement des formes », le « balancement léger de la lumière et des voiles », Édouard Pignon esquisse dans la solitude un nouveau mode de production, tournant décisif dans son œuvre. Sa peinture évolue vers un « réalisme » qui exprime à la fois les certitudes d’un style et une conviction du réel.
Pendant l’hiver 1946-1947, le changement amorcé sous le soleil méditerranéen de Collioure est confirmé par le choc esthétique provoqué par les paysages d’Ostende. Moment essentiel dans sa démarche créatrice qui ouvre la voie de la sérialité à l’ensemble de sa production, les aquarelles et les toiles - transpositions de ses sensations face aux pêcheurs travaillant dans l’air glacé - témoignent également d’une réflexion sur le mouvement. Entre féerie du paysage portuaire et climat tragique d’une ville détruite par la guerre, Édouard Pignon s’invente un chemin de découverte pour créer un nouvel espace et une nouvelle réalité de peinture.

Le musée accueille les créations contemporaines de l’artiste chinois Li Xin. Cette exposition, née d’une collaboration avec le Nouvel Institut Franco-Chinois, viendra éclairer les nombreux liens culturels existant entre Lyon et la Chine.

Li Xin naît en 1973 sur les berges du Fleuve Jaune. Cet immense et puissant fleuve a influencé toute son enfance, par sa présence visuelle mais aussi ses odeurs et les murmures constants de son courant. Ce « peintre de l’eau » vit entre France et Chine depuis 2002. De ces « confluences franco-chinoises », Li Xin est peut-être l’artiste le plus révélateur.

Calligraphe d’un dialogue, « entre ciel et terre », son maniement de l’eau et de l’encre crée un langage pictural singulier pour des réalisations résolument modernes, comme peuvent en témoigner ses coopérations avec la maison Hermès en 2015 et la Manufacture Nationale de Sèvres en 2016. Ce sont donc divers supports qui se font l’écho de son art – céramiques, paravents, huiles, encres... – et de son cheminement personnel.

Après des abstractions largement nourries des écoles européennes, Li Xin revient à l’encre, médium phare de la civilisation chinoise. Mais si la tradition faisait du lavis le travail du pinceau, Li Xin en fait l’image de l’eau : loin des techniques ancestrales, l’eau devient l’élément créatif de ses abstractions naturelles. C’est ainsi un renouvellement technique mais aussi spirituel que propose Li Xin au travers de ses œuvres.

Donation d'un couple de collectionneurs

8 juin 2018 au 7 janvier 2019

Après l'exposition qu'il lui avait consacrée en 2011, le musée rend hommage une nouvelle fois à Étienne-Martin, figure majeure de la sculpture moderne, suite à la donation du Secrétaire par des collectionneurs et à l'acquisition et le don de Nuit II, La Nuit Nina et Les Gémeaux par les Amis du musée.

La présentation de ses sculptures dans les collections du XXe siècle témoigne de la richesse d'un fonds qui s'est enrichi au cours de ces dernières années grâce à des achats du musée, du Cercle Poussin, des dépôts et des donations de la famille et des proches de l’artiste.

Etienne Martin
Nuit II, 1935.
© ADAGP, Paris 2020. Image © Lyon MBA - Photo Alain Basset

34 œuvres à découvrir ainsi qu'une sélection de photos noir & blanc

Dès son plus jeune âge, Jacques Truphémus fréquente le musée de Grenoble et le musée des Beaux-Arts de Lyon où il est marqué notamment par les œuvres de Jean-Baptiste Camille Corot, Eugène Delacroix, Honoré Daumier, Édouard Manet et Pierre Bonnard...

En 1941, il entre à l’École des Beaux-Arts de Lyon, aux côtés d’André Cottavoz et de Jean Fusaro. Ses premières œuvres, paysages et natures mortes, témoignent d’une sensibilité particulière pour la lumière qu’il traduit par une peinture matiériste et colorée. À partir de 1970, influencé notamment par son voyage au Japon, son travail évolue vers un dépouillement comme le montre la série des cafés. C’est autour de ce thème représenté dans les collections par Au Café (1975) que le musée des Beaux-Arts rend hommage au peintre suite à sa disparition en 2017.

Jacques Truphémus,
Au Café, 1975.
© ADAGP, Paris, 2021. Image © Lyon MBA - Photo Alain Basset