Rappel sur les modes d'acquisition d'un musée

Achat

Il s’agit du mode le plus fréquent d’enrichissement des collections d’un musée. Après avoir été soumis à une commission scientifique, l’achat d’une œuvre se fait sur le marché de l’art, lors d’une vente publique ou auprès d’un marchand. Pour cela, le musée bénéficie d’un budget annuel alloué par la Ville de Lyon, complété par des contributions publiques ou privées, en fonction de l'œuvre et de son prix.
Les partenaires publics sont l’État et la Région Rhône-Alpes, dans le cadre du Fonds régional d’acquisition des musées (FRAM). Les partenaires privés sont les mécènes – individus ou entreprises – qui souhaitent soutenir la politique d’acquisitions du musée ou l’achat d’une œuvre en particulier.
Le musée peut aussi réaliser un achat au moyen d’une souscription publique ouverte à tous, comme pour L’Arétin et l’envoyé de Charles-Quint de Jean Auguste Dominique Ingres, acquis en 2013, ou l’Homme au béret noir tenant une paire de gants de Corneille de Lyon, en cours d’acquisition.

Don

En faisant un don au musée, le propriétaire d’une œuvre la fait entrer dans les collections publiques. Les dons proviennent donc majoritairement de collectionneurs, d’artistes eux-mêmes ou de leur famille, d’associations ou encore d’entreprises. Le propriétaire choisit de donner une œuvre en raison du lien qu’il entretient avec l’institution ou de l’importance de l’œuvre par rapport à la collection du musée. Même s’il émane de la volonté d’un individu, un don est soumis à l’avis d’une commission scientifique.
Ces dernières années, le don a été la principale source d’enrichissement des collections du musée des Beaux-Arts de Lyon.

Legs

Inscrit dans les dispositions testamentaires de son propriétaire, le legs fait entrer une œuvre au musée à son décès. Il peut être assorti de conditions que le musée est tenu de respecter dès lors qu’il l’a accepté (exemple : legs de Jacqueline Delubac).

Dépôt

Le dépôt offre au musée la possibilité d’accueillir, pour une durée déterminée, une œuvre appartenant à une autre institution ou à un collectionneur afin de renforcer la cohérence des collections. Le musée peut solliciter des dépôts, ou se voir proposer des œuvres, en fonction des mouvements dans la collection ou des changements d’accrochage.

Dation

Le dispositif de la dation permet aux contribuables de régler certains impôts (droits de donation, de succession et de partage, ainsi que l’Impôt de Solidarité sur la Fortune) par la remise à l’État d’œuvres d’art ou d’objets de collection. Ceux-ci doivent présenter un intérêt historique et patrimonial exceptionnel. Inscrites à l’inventaire d’un musée national, les œuvres ainsi devenues propriétés publiques peuvent être ensuite confiées à un musée de région sur demande de celui-ci (exemple : exposition Picasso, Matisse, Dubuffet, Bacon, les modernes s'exposent au musée des Beaux-Arts de Lyon).

Elève brillant et indiscipliné à l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon, Sénard est apprécié de son vivant comme peintre de natures mortes. Bien qu’il ait été un exposant régulier des salons artistiques lyonnais, son oeuvre dessiné et gravé est resté confidentiel : peut-être parce que le dessin, chez lui, n’est pas une esquisse pour la peinture, mais est une oeuvre à part entière, exigeante et difficile.

Avant 1914, il expose au salon d’automne de Lyon plusieurs grands fusains qui s’inscrivent dans le courant symboliste de l’époque, montrant le malaise d’un univers qui va à sa perte dans l’imminence de la guerre. « Le mensonge, l’iniquité, la luxure, l’argent, seules idoles inébranlées parmi la ruine de croyances, fournissent tous les mythes nécessaires à l’expression de sa pensée », souligne, en 1912, l’écrivain et journaliste Henry Béraud. Le trait acéré par lequel Sénard rend les effets de foule compacte évoque le dessin féroce de l’un des grands graveurs de son temps, Théophile Steilen (1859-1923).

Les sujets de ses gravures à l’eau-forte, d’abord fantaisies orientalistes, se transforment progressivement en visions cruelles, parfois morbides ; ici, la prostituée fait écho à celle du belge Félicien Rops (1833-1898). L’artiste est hanté par la mort et les horreurs de la guerre. Ce symbolisme macabre inspire d’autres lyonnais, son contemporain le graveur Marcel Roux (1878-1922), Pierre Combet- Descombes (1885-1966) et Claude Dalbanne (1877-1964) à leurs débuts. Le cycle s’achève avec la guerre.

En 1925, Sénard est nommé président du salon du Sud-Est fondé la même année par les peintres Ziniars, dissidents du salon d’automne, autour de l’écrivain Gabriel Chevallier et du critique Marius Mermillon. Abandonnant l’eau-forte, il pratique alors la gravure sur bois, technique utilisée par ces jeunes artistes, durant les dix dernières années de sa vie.

En 1930, il devient membre de la commission consultative du musée des Beaux- Arts, puis conservateur en 1933, seize mois avant sa mort.

Œuvres exposées :
Composition décorative,
L’Esclave, 
Jeune femme et monstre, 
Composition décorative, 
Scène macabre, 
La Femme et la mort,
La Douleur et la mort,
Le Génie des ruines, coll. part.
Le Dépotoir, 
Au drapeau ou Le Veau d’or,
Vanité des vanités, 
Charrette déversant des femmes, 
La Guerre,
Les Affligés,
Les Affligés,
Le Passant, 
Le Carrefour ou La Ruée, 
Pietà, 

1. 1800-1850 : Découvrir / s’émerveiller

Au début du XIXe siècle, on note déjà la présence d’objets d’art islamique dans certaines collections privées ou même au Palais des Arts, premier musée de Lyon. Ces pièces, perçues génériquement comme « orientales », se confondent encore avec d’autres « curiosités ».

Anthelme Trimolet
Autoportrait, 1849, huile sur toile, Dijon, musée des Beaux-Arts, dépôt du musée du Louvre

Si Lyon compte toujours des collectionneurs d’antiquités, artistes, érudits ou négociants montrent une inclination pour l’art dit du « Moyen Âge », entendu dans une acception très large. Leurs collections comprennent ainsi quelques pièces originaires d’un Orient encore mal défini. Un marché de l’art et de la curiosité florissant peut fournir le musée et des amateurs d’objets anciens.

Dès 1813, au Palais des Arts situé dans l’ancienne abbaye des Dames de Saint-Pierre, une grande variété d’objets appartenant à des univers différents sont exposés dans la « salle des antiques » : amulettes égyptiennes, antiquités des Indes, « fétiche » du Sénégal, vases du Pérou, porcelaines de Chine et du Japon. Dans ce pêle-mêle d’objets exotiques, se trouvent une aiguière et son bassin en céramique produits en Iran au XVIIe siècle, achetés à un brocanteur en 1810 par Jean-Claude Fay de Sathonay, maire de Lyon.

En janvier 1827, à l’Hôtel de Ville, est organisée une exposition « d’Art ancien ». Dans la salle réservée aux « curiosités étrangères » sont déjà présentées quelques rares pièces islamiques. Malgré cette curiosité pour un art nouveau, la collection d’art islamique du musée est encore modeste vers 1850 : elle est essentiellement composée d’objets ayant appartenu à deux collectionneurs, le marquis de Migieu et Jacques-Antoine Lambert, auxquels s’ajoute un lot d’objets de provenance inconnue.

 

2. 1850-1900 : Rassembler / collectionner

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, l’essor économique de la ville de Lyon favorise la fortune de certaines familles et le développement d’importantes collections. Le goût des amateurs pour les arts de l’Islam se précise.

Notables lyonnais, ces amateurs appartiennent au milieu de la soie ou de la finance. Vers le milieu du siècle, ils quittent progressivement l’ère de la curiosité et constituent désormais de véritables collections d’art décoratif. Les objets sont alors rassemblés par techniques : céramique, orfèvrerie, ivoire, textile, etc. La plupart de ces amateurs se réunissent chez le peintre et graveur orientaliste lyonnais Georges Duseigneur, devenu marchand d’art vers 1880. Il partage avec son frère Raoul, la passion des arts orientaux. Tous deux accompagnent les choix des collectionneurs, notamment parisiens, comme la marquise Arconati-Visconti.

À Lyon, parmi leurs relations, on trouve l’industriel Émile Guimet qui prépare l’ouverture d’un musée consacré aux « religions orientales » près du nouveau parc de la Tête d’Or, le docteur Raymond Tripier, le financier Prosper Holstein, Maurice Chabrières-Arlès, trésorier général des Finances du Rhône et Jean-Baptiste Giraud, négociant en soieries, futur conservateur des Objets d’art au musée du palais Saint-Pierre.

L’une des collections les plus riches de la ville est alors celle du banquier et homme politique Édouard Aynard. Exposée dans un salon de son hôtel particulier à proximité du parc de la Tête d’Or, sa collection comprend des peintures, des sculptures, des majoliques italiennes, des porcelaines extrême-orientales et divers objets et textiles islamiques.

Tissu d'ameublement à décor vert et or de feuilles de marronnier ouvertes en éventail, Lyon, Bouvard et Cie, 1900, velours coupé simple corps, liseré, lancé ; soie et fil métallique doré, Lyon, musée des Tissus

3. 1850–1900 : Copier / créer

Soucieuse d’une concurrence de plus en plus forte en Europe pour le commerce de la soierie, la chambre de Commerce de Lyon cherche à renforcer les moyens de développer la créativité des artisans en proposant de nouvelles ressources notamment par la création d’un musée « d’Art et d’Industrie ».

Conçu sur le modèle du South Kensington Museum de Londres (actuel Victoria and Albert Museum), un musée d’Art et d’Industrie est inauguré le 6 mars 1864 dans le nouveau palais du Commerce de Lyon, récemment construit. Les arts islamiques figurent en bonne place dans les collections. Avec leur décor d’entrelacs et d’arabesques, ces objets et textiles « orientaux » offrent un magnifique champ d’étude de l’ornement. Ils témoignent également de la maîtrise de techniques complexes (lustre métallique des céramiques hispano-mauresques, incrustations d’or et d’argent des métaux).

À partir de 1879, une galerie du musée d’Art et d’Industrie est consacrée à « l’histoire artistique et industrielle de la fabrication des étoffes depuis les temps les plus anciens, tant en Occident qu’en Orient ». En 1890, Édouard Aynard, devenu président de la chambre de Commerce, propose de consacrer exclusivement ce musée aux collections de tissus. Il s’agit d’offrir une histoire universelle de la décoration textile et de mettre à la portée des dessinateurs des œuvres originales à étudier. La valeur éducative de ce nouveau « musée des Tissus » est une priorité, à l’heure où l’industrie de la soie est obligée de se transformer pour lutter contre la concurrence des fabriques étrangères. Puisant dans ce corpus, comme dans les répertoires d’ornements, artistes et artisans développent de nouveaux décors. Les soieries lyonnaises de la seconde moitié du 19e siècle présentées dans cette partie de l’exposition ont pour modèles des textiles persans, des arabesques hispano-mauresques, s’inspirent de la technique des velours ottomans, ou encore des décors des céramiques d’Iznik.

4. 1879–1910 : Acquérir / présenter

À la fin du XIXe siècle, le Palais des Arts est encore constitué de plusieurs musées dont les « musées archéologiques » consacrés aux objets d’art. À partir de 1878, on constate un développement de cette collection, marqué notamment par le goût pour l’art « oriental ».

En 1878, Édouard Aynard et Maurice Chabrières-Arlès sont désignés respectivement président et vice-président du conseil d’administration des musées du palais Saint-Pierre (actuel musée des Beaux-Arts) tandis que Jean-Baptiste Giraud est chargé, à partir de 1879, des « musées archéologiques » qui constituent aujourd’hui l’essentiel du département des Objets d’art. Nourris par leur expérience de collectionneurs, les trois hommes engagent une politique d’acquisition sans précédent depuis la création du musée. En créant une section d’art islamique, ils sont conscients d’entraîner l’institution dans le sillage des grands musées parisiens et européens. Édouard Aynard souhaite en effet que le musée de Lyon soit le « premier de France après le Louvre ». Selon lui, la seule manière d’y parvenir consiste à acquérir des œuvres exceptionnelles.

De 1879 à 1895, un quart des objets qui enrichissent le département des Objets d’art sont des œuvres islamiques. Les achats se font auprès de marchands parisiens ou lors de grandes ventes aux enchères. Ces objets réunis en quelques années seulement, alors que les opportunités sont encore nombreuses, constituent aujourd’hui l’une des plus remarquables collections d’art islamique en France.

5. 1877 et 1894 : Promouvoir / diffuser

En 1877 et en 1894, deux grandes expositions permettent aux Lyonnais de découvrir et de mieux apprécier les productions de l’art islamique.

Plaque de revêtement en forme d'étoile à quatre branches, Céramique siliceuse à décor de "lajvardina" (petit feu) doré sur glaçure bleue, Iran, fin du XIIIe siècle, Lyon, musée des Beaux-Arts

En 1877, alors que la ville est éprouvée par une crise économique, est organisée au musée d’Art et d’Industrie de Lyon une Exposition rétrospective d’art ancien dont les recettes doivent être reversées aux ouvriers sans travail. Les œuvres présentées sont empruntées majoritairement aux amateurs de la ville. Jean-Baptiste Giraud est chargé de l’organisation et de l’installation de l’exposition, laquelle connaît un véritable succès. Pour la première fois à Lyon, des céramiques et des textiles islamiques sont exposés aux côtés des objets d’art occidentaux.

En 1894, au sein de l’Exposition universelle de Lyon établie sur le site du parc de la Tête d’Or, la chambre de Commerce organise une « Exposition coloniale » dont le cadre architectural reproduit des monuments existant dans certains des territoires annexés par la France au fil du siècle : un palais du Tonkin et de l’Annam, un palais de l’Algérie, un palais de la Tunisie. Un bâtiment de 1400 m2, à l’architecture intérieure inspirée de la grande salle de la mosquée de Cordoue, abrite une « Exposition d’art oriental » qui comprend, pour la première fois à Lyon, une section entière consacrée à l’art « musulman ». Quarante-deux particuliers et quelques institutions ont accepté de participer à la manifestation. Plus d’un millier de « précieux spécimens des arts d’Orient » sont ainsi présentés et offerts à l’admiration de nombreux visiteurs.

Parcours dans l'exposition

Shuja'iibn Mana al-Mawsili
Aiguière, Irak du Nord (Mossoul), 1232, Alliage cuivreux martelé, gravé et incrusté d'argent et de cuivre, Londres, British Museum

1. Éveils : aux sources de l’histoire des arts de l’Islam

Les œuvres islamiques commencent à être collectionnées et étudiées scientifiquement en Europe à partir de la fin du XVIIIe siècle. On les considère d’abord comme des documents historiques et linguistiques ; progressivement cependant, leur dimension artistique commence à être prise en compte.

2. Études : premières approches architecturales

L’expansionnisme politique, économique et militaire européen favorise les voyages dont les artistes ont pour mission de raconter l’histoire en images. Une géographie fétiche de « l’Orient » islamique se met alors en place, où de grands pôles d’attraction – Grenade, Le Caire, Istanbul, Ispahan notamment – tiennent le devant de la scène. Cette renommée n’est pas due seulement à une aura de légende mais à des études architecturales minutieuses, animées par une passion de l’exactitude.

3. Récoltes : Albert Goupil, Collectionneur

Au XIXe siècle, l’afflux d’œuvres islamiques en Occident est grandement facilité par la domination impériale qu’exercent progressivement les puissances européennes sur l’Afrique et l’Asie. Précédant les musées, certains amateurs privés constituent de spectaculaires collections motivées par le culte impérieux du « bel objet », mais également par l’angoisse de voir disparaître des cultures que l’Europe moderne contribue elle-même à fragiliser. L’appropriation matérielle reflète ainsi un double désir de captation culturelle et de préservation patrimoniale.

Jean-Léon Gérôme,
Bain maure, vers 1880-1885, Huile sur toile, San Francisco, Museum of Fine Arts

4. Fantasmes : les arts de l’Islam dans la peinture orientaliste

La peinture dite « orientaliste » se donne pour but de bâtir un monde parallèle, une échappée dans un rêve, qui va de pair avec un rejet de la modernité occidentale en marche : « tout excepté notre pauvre petit maigre et triste monde », comme l’écrit Jules Renard en 1889. Les arts de l’Islam sont alors enrégimentés dans la puissante machinerie visuelle de ce rêve exotique : théâtre d’automates où femmes voluptueuses, religieux exaltés et esclaves à la peau noire tournent indéfiniment sur fond de mosquées, de moucharabiehs et de palmiers. 

5. Reflets : les Fortuny, de Grenade à Venise

Chez le peintre catalan Mariano Fortuny y Marsal et chez son fils, le décorateur Mariano Fortuny y Madrazo, se reflètent les contradictions de l’orientalisme artistique européen. D’un côté, ils sont tributaires d’un système idéologique qui joue avec les clichés et les fantasmes. De l’autre, ils sont profondément bouleversés par leur rencontre avec ces arts qu’ils collectionnent avec passion et qui modifient leur regard.

6. Figures : le modèle des « miniatures »

Les Européens se sont attachés avec prédilection, au XIXe siècle, à l’idée trop simple que l’art islamique était hostile à la figuration des êtres animés. Cette idée permettait d’opposer un monde d’images figuratives, en Occident, et un monde sans images, en « Orient », suscitant, pour cette raison même, à la fois l’admiration et le mépris. Au fur et à mesure du progrès des connaissances visuelles, ce cliché a cependant été remis en cause.

Owen Jones
Moresque n° 1, projet pour The Grammar of Ornament, 1856. Encre et aquarelle sur papier. Londres, Victoria & Albert Museum.
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7. Grammaires (1) : l’Islam Arts & Crafts

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, la France et le Royaume-Uni promeuvent les modèles islamiques pour améliorer la qualité – et donc la compétitivité – de leurs productions manufacturées. Par leur rationalité, ces modèles peuvent s’adapter aux systèmes de production industriels. Par leur richesse ornementale, ils doivent stimuler l’invention des décorateurs ou « designers » modernes.

8. Grammaires (2) : l’Islam et le rationalisme décoratif français

Le mouvement des « réformateurs » anglais, en matière décorative, a son parallèle en France, sous l’égide du rationalisme défendu par l’architecte Viollet-le-Duc. Avant tout attaché à l’architecture gothique, ce dernier encourage aussi, à partir des années 1860, des études sur les traditions non-occidentales. Il célèbre la « parfaite simplicité » des principes architecturaux et décoratifs islamiques, en s’opposant à la vision « féerique » des orientalistes, ces « partisans de la fantaisie en tout ».

L’œuvre de Jules Bourgoin, inspirée par l’Égypte islamique, témoigne de la singularité du regard de cet artiste, écartelé entre une lecture rationaliste et une appropriation subjective des ornements de l’Islam.

© BPK / Réunion des Musées Natio
"Mit dem grnen Quadrat"
© BPK / Réunion des Musées Nationaux

9. Pratiques : "Renaissance orientale", les ambiguïtés d’un mythe

L’idée de « Renaissance orientale » apparaît au XIXe siècle. Elle consiste à penser que « l’Orient » peut jouer, pour l’Europe moderne, le rôle que l’Antiquité gréco-romaine a joué au XVe siècle.

Cette idée est d’abord philosophique et littéraire, centrée sur l’Inde. Puis elle se déplace vers les arts décoratifs, et fait référence à l’Islam. Les arts du feu – céramique et verre – sont particulièrement concernés.

10. « Révélations » : selon Matisse, selon Klee

Depuis la Renaissance, l’art européen est dominé par la question de la ressemblance dans les images : la mimésis. Au début du XXe siècle, la remise en cause de ce principe d’imitation conduit certains artistes à explorer les approches élaborées par d’autres cultures. Découvrant les arts de l’Islam, Paul Klee et Henri Matisse y puisent, chacun à leur manière, un encouragement à transformer radicalement le rapport occidental avec les images, en dépassant l’opposition traditionnelle entre décoration et représentation.